Andalussian Revolution (actualizado)
Sin duda fue en los 70 cuando se produjo la gran revolución del rock. Está claro que es la década posterior la más añorada y vituperada entre los heavys y rockers, y es que fue durante los queridos 80 cuando el hard rock y el heavy metal alcanzaron las más altas cotas de popularidad y cuando ambos estilos se desarrollaron completamente, pero es imposible negar que los primeros pasos se dieron diez años antes.
El ambiente, los grandes grupos, los subgéneros y los iconos rockeros se repartieron como casi siempre en la historia del metal entre Inglaterra y Usa. Black Sabbath, Pink Floyd, Led Zeppelin, Mötorhead, Deep Purple, Jethro Tull, Rolling Stones, Scorpions… los nombres que más tarde se harían grandes vieron nacer su leyenda por entonces. En España, y para no perder la costumbre ya casi finalizando el momento, algún grupo como Leño, Asfalto o Burning enarbolaron en nuestro país la bandera del rock duro con más o menos fortuna (Barón Rojo llegarían más adelante).
En este post nos vamos a centrar sin embargo en otra revolución musical setentera, que no por menos conocida supuso un valor inferior en cuanto a innovación y genialidad. Para ello tenemos que mirar hacia el sur de la Península Ibérica, más concretamente a Andalucía. Si bien el grupo más conocido que ha dado la comunidad es sin duda Triana, algunas otras bandas, o en algún caso concreto mejor dicho “colectivos” significaron para la cultura popular en general y para la andaluza en particular una completa vuelta de tuerca a todo lo que se había hecho o imaginado hacer hasta entonces. Empecemos primero por los sevillanos que hicieron suyo el rock progresivo, y que algunos llaman con cariño los Pink Floyd patrios.
Hacia 1974, un joven sevillano llamado Jesús de la Rosa (voz, teclado, sintetizadores) se une a Eduardo Rodríguez (guitarras) con la pretensión de formar un grupo en el que se fusionen el rock de unos King Crimson o Vanilla Fudge y el flamenco andaluz clásico. Uniendo sus fuerzas a Juan José Palacios “Tele” (batería y percusión), ponen en marcha Triana.
Tras un primer disco, El Patio, no demasiado exitoso debido a una mala publicidad y distribución (y en el que curiosamente se incluyen canciones como Abre la Puerta o Sé de un Lugar, temas más tarde conocidísimos de Triana), la consagración de la banda llegó con Hijos del Agobio, álbum que contiene temas clave del grupo como Señor Troncoso o Rumor. Con el tercer trabajo, Sombra y Luz, el grupo sigue la senda emprendida en los dos anteriores haciéndose aún más oscuros e intimistas si cabe, patente en canciones como la que da título al álbum o Una Historia.
No, estos no son los hijos de Paco Martínez Soria en Hay que educar a papá
Para el siguiente trabajo, de la Rosa y compañía decidieron suavizar ligeramente su sonido, volviéndose un poco más pop. Esto hizo que cuando se editó Un Encuentro algunos de los fans que les habían seguido desde sus comienzos perdieran el interés por la banda. El tono más suave y en cierto modo comercial de Triana continuó un disco más, llamado como el grupo y que tampoco despertó demasiado entusiasmo entre aficionados y crítica. De esta época cabe señalar tracks como Tu Frialdad (versionada y puesta de moda nuevamente años más tarde por la joven cantante Tamara), Un Extraño Más, Una Noche de Amor Desesperada o Un Mal Sueño.
Tras un álbum en directo no muy conocido, llegó el que sería el trabajo póstumo del cantante y teclista de Triana, Jesús de la Rosa. En …Llegó el Día la banda volvió a la senda rockera progresiva más pura en la que habían dado sus primeros pasos, lo que les permitió reconciliarse con gran parte de sus seguidores. Desnuda la Mañana o De Una Nana siendo Niño son una buena muestra de cómo suena este último Lp.
De Triana poco se puede decir que no se haya dicho ya. Una voz excepcional, una guitarra en la que se conjugaban perfectamente los acordes más trabajados del rock con el sentimiento flamenco más desgarrado, una percusión infravalorada de un genial batería y una base de teclado lisérgica y excepcional dieron al grupo una personalidad y un estilo que jamás volverá a repetirse en nuestro país. Como otras tantas veces, sólo la tragedia pudo apagar la luz de unos artistas maravillosos.
Hijos bastardos del conocido como rock andaluz fueron igualmente los Pata Negra, grupo formado por Rafael y Raimundo Amador, al que ya todos conocéis.
Los dos hermanos, hábiles tanto en guitarra y bajo (que se intercambiaban en las grabaciones de los discos) como en la bulería o el boggie parieron obras maestras del género como son Blues de la Frontera, Guitarras Callejeras o la declaración de intenciones que fue Rock Gitano. Rafael aportando el componente espectáculo al combo, con una voz particular y con la que a veces se empeñaba burlonamente en imitar a los viejos cantaores de flamenco y de la que se servía para soltar letras deslenguadas y sinvergüenza (algunas de ellas obra de Kiko Veneno, con el que sobre todo Raimundo colaboró), y Raimundo dando la puntilla final de genialidad y la sobriedad que en ocasiones el desate de los hermanos necesitaba supuso en aquella época en su entorno una verdadera conmoción.
Y luego dicen que la portada del Chamaleon de los Helloween es fea
Salidos del entorno familiar de los Montoya, clan gitano con el que nuevamente Raimundo estuvo vinculado como guitarrista (y no sería ni muchísimo menos la última colaboración de éste con otros artistas, apareciendo continuamente en grabaciones ajenas y llegando a acompañar con la guitarra al mismísimo Camarón de la Isla) y con los que ya empezó a apuntar maneras de rebelde, los Pata Negra suponen la unión del rock más radical, tamizado por el blues más descarnado, con el nuevo flamenco que por entonces comenzaba a gestarse en Andalucía. Puestos en duda incluso por sus amigos más íntimos y su familia más cercana, algo que fue una constante entre los protagonistas de la revolución musical andaluza de aquel entonces, fue gracias a unos directos de los que hacen época y unos discos absolutamente revolucionarios para ese tiempo por lo que los hermanos Amador se ganaron el respeto y la ovación de los melómanos.
La historia nuevamente acabó regular, pues los hermanos no se llevaban demasiado bien en los negocios y decidieron partir cada uno con lo suyo. El nombre y el concepto de grupo lo mantuvo Rafael en solitario, acompañado de otros familiares del clan Amador con los que sacó dos discos más, Inspiración y Locura y Como Una Vara Verde, trabajos más bien mediocres y en los que se refleja el mal estado en el que a nivel musical se encuentra el rockero gitano. En cuanto a Raimundo, no creo que haga falta recordar lo que su nombre significa a día de hoy. Si recordáis un famoso anuncio de embutido, en el que se podía escuchar una canción que decía Todo lo que me gusta es ilegal, es inmoral o engorda, estaréis acordándoos de un tema de Pata Negra. Suyo es también un conocido tema dedicado a Camarón, cuyo estribillo decía Ay José, yo te canto Camarón, te canto pa que me cantes y me alegres el corazón. Y que los serventesios los escriba el Sabina.
Para terminar con los grupos que aunaron el flamenco y el rock, hablemos del ya mencionado Kiko Veneno y de los que quizá sean menos conocidos entre el gran público: Smash.
Kiko Veneno, además de ser conocido por tener un mechón canoso en el pelo desde siempre (que no es coña oye), tuvo la suerte de encontrarse en su camino artístico con los Pata Negra o Martirio, lo que le permitió sacar al mercado discos que aunque incluso a día de hoy son poco más que incomprendidos suponen una apuesta arriesgada que mezcla flamenco, ciertas dosis de pop-rock y las líricas peculiares del catalán.
Por su parte, Smash era el proyecto del multiinstrumentista Gualberto García, el batería Antonio Rodríguez, el violinista y guitarra danés Henrik Michael y el bajista y cantante Julio Matito. Tras dos discos como son Glorieta de los Lotos y We Come To Smash This Time, básicamente con sonido blues-rock influenciado por Cream o Hendrix, Gualberto y los suyos decidieron contar con los servicios como cantaor en este caso de Manuel Molina, guitarrista del grupo flamenco-sicodélico (ya explicaré eso más adelante) formado junto a su mujer, Lole y Manuel. Con esta formación editarían un trabajo llamado Vanguardia y Pureza del Flamenco, en el que por una cara se encontraban varias canciones de Smash (entre ellas la famosísima en mi casa El Garrotín, adaptación de una canción popular) y en el otro lado había una grabación de El Agujetas con Manolo Sanlúcar, famosos cantaor y guitarrista flamenco respectivamente. El caso es que Smash duró poco, ya que no tuvo apenas respuesta del público.
Carne de expositor de gasolinera
Pero la revolución no sólo se produjo en el ámbito más rock. El género andaluz por antonomasia, el flamenco, iba a sufrir entonces un cambio tras el que los esquemas centenarios del género iban a trastocarse y ya nunca volverían a ser los mismos. Dos son los principales implicados en esto: Camarón de la Isla y su Leyenda del Tiempo y la concepción de la guitarra y la instrumentación flamenca en general de Paco de Lucía.
Ya se sabe que Camarón está considerado hoy como una de las mejores voces, sino la mejor, flamencas que ha existido en la historia. Su conocimiento absoluto de todos los palos, su potentísima capacidad vocal y pulmonar (al menos al principio de su carrera), su dominio de los compases y tonos gracias a que también tocaba la guitarra y una enorme personalidad lo convirtieron en el rey de los gitanos. Tras varios discos de flamenco ortodoxo, en los que de todas formas ya se vislumbraba su toque particular, como Arte y Majestad, Al Verte las Flores Lloran o Canastera, en 1979 saldría al mercado el álbum que significó un cambio en la concepción del flamenco y el derrumbe de los esquemas clásicos.
La Leyenda del Tiempo no fue querido, admirado ni sirvió de inspiración hasta años más tarde de su lanzamiento. En su momento, fue un disco absolutamente incomprendido, odiado y vilipendiado por los puristas del género y un fracaso absoluto de ventas. De echo, se dice que muchos de los que compraron el disco fueron a devolverlo a la tienda cuando lo oyeron, diciendo que aquel no era “su” Camarón. Una especie de St.Anger del flamenco. Tuvo que morir el gaditano para que este álbum tuviera el respeto y admiración que merece.
El trabajo significa un giro de 180º al flamenco. Un género que siempre se había caracterizado por una instrumentación sencilla, guitarra de acompañamiento y a lo más algunas palmas, y un cantaor a pelo se vio inundado por las propuestas e ideas de un grupo de jóvenes promesas musicales (que años más tarde se convertirían en verdaderas estrellas), comandados por el productor Ricardo Pachón, que ya trabajó con Pata Negra, Kiko Veneno o con el mismo Camarón en sus anteriores trabajos discográficos. La Leyenda del Tiempo tuvo la osadía de incluir guitarra eléctrica, teclados, sintetizadores, bajos, batería y percusión y arreglos más pop-rockeros. En él estuvieron involucrados, además del mismo Camarón, los que yo llamo los hippies del flamenco: Paco de Lucía, Tomatito, Raimundo Amador, Carles Benavent (uno de los mejores bajistas de España y según dicen el mejor bajista flamenco del mundo, que no todo es Pepe Bao coño)… todos ellos ignorados y tachados de locos en su momento pero que juntos consiguieron cambiar la visión del flamenco que todo el mundo tenía, acercándolo a las masas.
Camarón también tuvo su propio Virtual XI. En su caso, mereció la pena
Como ya he dicho, pocos entendieron ese disco, y hasta la muerte de Camarón de la Isla en 1992 sólo se habían vendido 6.000 copias del álbum. El cantaor de San Fernando no tuvo más remedio que volver al flamenco clásico, siendo su siguiente trabajo Como el Agua un disco con una producción quizá más moderna pero un sonido anclado en el pasado, algo que se repitió metódicamente hasta su último álbum, Potro de Rabia y Miel (en el que por cierto ya se notaba en su voz los estragos del cáncer de pulmón que lo llevo a la tumba).
Tiempo más adelante, cuando por fin se asimiló todo lo que La Leyenda del Tiempo suponía, muchos jóvenes aficionados al género interpretaron a su manera el cambio de patrón, comenzando a surgir lo que hoy en día se conoce como flamenco-pop o flamenquito, que particularmente creo que se aleja bastante de la propuesta de Camarón y los suyos en el 1979 (ni la calidad musical ni la letrística alcanzan al gaditano y compañía siquiera al talón), pero que por tener arreglos poperos y algo más de instrumentación ya se diferencia del flamenco más puro.
Por su parte, el algecireño Paco de Lucía contribuyó con su trabajo a cambiar la idea de guitarrista flamenco que se tenía hasta entonces, aumentando exponencialmente el protagonismo de un instrumento que había sido hasta entonces mero acompañante de la voz, y por otro lado introdujo en el género instrumentos inéditos en el flamenco e incluso desconocidos hasta entonces como el cajón (que a día de hoy se ha convertido en casi imprescindible percusión, pero que en un principio el guitarrista de Algeciras tuvo ciertas reticencias en traer a España) o los timbales.
De Lucía cambió drásticamente la manera de tocar la guitarra flamenca, introduciendo falsetas y toques personales que hoy se consideran parte básica de la técnica del guitarra flamenco pero que en su época nadie comprendió ni aceptó. El paso del tiempo y discos como Almoraima, Siroco (para algunos su disco más acojonante) o Zyryab convirtieron a Paco en el guitarrista flamenco más importante de todos los tiempos y a uno de los más famosos del mundo.
“Sí, sí, vosotros criticadme que luego me vais a lamer el culo”
En menor medida, Lole y Manuel y Enrique Morente aportaron su granito de arena a la causa revolucionaria flamenca. Los primeros, marido y mujer (cuya relación acabó como el corral de la Pacheca, con supuestos maltratos de por medio y demás historias que tanto morbo nos producen), cantaora y guitarra respectivamente, sacaron al mercado álbumes que a mi juicio interpretaron el flamenco de una forma que personalmente no he vuelto a ver. La desgarrada, melancólica e imponente voz de Lole, junto con la personal guitarra de su marido influenciada por el rock y el hippismo parieron discos como Nuevo Día, un alegato absolutamente hippie con ritmo gitano o Al Alba con Alegría.
La producción de los trabajos de la pareja tenía algo que los hacía enormemente atrayentes, una mezcla de decadencia y cuelgue de ácido, drogas que los jóvenes flamencos por entonces comenzaron a probar para escapar de la problemática de la época. Coros infantiles, toques de sintetizador y peculiares letras en las canciones conformaron el toque personal del matrimonio. El mismísimo Tarantino incluyó en Kill Bill un tema del dúo, Tu Mirá. Seguramente sea la canción que los yankees menos entienden. Te lo digo yo.
Apostaría a que no se dan cuenta de nada de lo que sucede a su alrededor
Decir Enrique Morente es decir polifacetismo y amplia visión musical. Un cantaor flamenco que ha coqueteado con el rock, la música barroca, el punk, la electrónica y que cada lanzamiento discográfico supone un paso más allá que los demás. Por supuesto, a día de hoy sigue siendo muchas veces un incomprendido y huelga decir que infravalorado e ignorado. Curiosamente, el que considero su mejor disco no vio la luz en los 70 sino en 1996: Omega. Ya os hablaré un día de él. Amenazo con más post larguísimos y pesados como este. Cagaos.
Pues ya hemos acabado, ya podéis respirar tranquilos. Quizá me haya dejado a alguien en el tintero, pero no os preocupéis que no voy a dar el coñazo mucho más. Sólo quería haceros partícipes de esta reflexión: muchas veces los andaluces renegamos de nuestras propias raíces. Al menos la mayoría de nosotros, mamamos, respiramos y crecemos en el flamenco desde que venimos al mundo, y conforme pasan los años vamos olvidándonos paulatinamente de él, como si nos diera vergüenza. Creo que oyendo todas las propuestas musicales que os he mencionado puede uno hacerse la idea de la calidad, variedad y todo lo que significa el flamenco en nuestra región.
Por otro lado, aun respetando el trabajo de cada cual, antes dejé caer que a día de hoy nos venden y se hace el flamenco como algo que poco o nada tiene que ver con el flamenco que yo considero el de verdad. Puede resultar un poco hipócrita alabar la revolución del género y criticar el flamenquito de nueva hornada, pero y que me perdonen los que gusten de él pero El Arrebato ni es flamenco ni es pollas en vinagre. Ay, que a gusto me he quedao.
El mullet también puede ser flamenco
Actualización: cuando os he hablado del rock progresivo andaluz, se me ha olvidado mencionar a uno de los grupos fundadores del género en la península, y quizá el más ignorado (como siempre, sobre todo en su tierra): The Storm.
Esta banda sevillana, comparados en ocasiones con los Deep Purple de la etapa Machine Head, estaba formada por los gemelos Angel y Diego Ruíz (guitarra y voces, batería y voces respectivamente), Luis Genil (teclado y voz) y José Torres (bajo y voz). El sonido más auténtico de la banda puede encontrarse en su primer álbum, The Storm, en los que un hard rock potente con una base muy reconocible y purpleiana de Hammond en cortes cantados como I am Busy o Woman Mine se entremezcla con temas más elaborados y progresivos como Crazy Machine o Experiencia Sin Órgano. Su segundo álbum, El Día de la Tormenta, recibió una respuesta más fría de los fans ya que se alejaron bastante de su propuesta inicial, apostando por canciones más sencillas y poppies.
Los sevillanos llevaron su música por toda España, siendo conocidísimos y muy admirados por todas partes; incluso a día de hoy se les recuerda con mucho cariño entre los aficionados más maduros o en foros rockeros. Sin embargo, en Sevilla son poco más que unos desconocidos para el gran público; afortunadamente y de un tiempo a esta parte se está reivindicando en su tierra la figura de The Storm, incluso llegándose a reunir para tocar en la ciudad no hace mucho (contaron con una voz femenina, ya que Luis Genil falleció en 2004).
Los Storm siguen luchando por la música, organizando desde hace un tiempo un concurso de grupos noveles en el pueblo de La Rinconada en Sevilla, y Ángel Ruiz es un prestigioso profesor de guitarra en su ciudad. Pero si por algo destaca la banda entre sus paisanos, es por ser personas sencillas, muy amables y verdaderamente apasionados del rock que no dudan en apoyar cualquier propuesta relacionada con el mundillo.
